Escrita por la misma guionista de las cintas arriba citadas, Laurence Coriat y musicada por Michael Nyman, la película narra los cuatro años que un preso pasa en prisión, las visitas de su mujer e hijos, momentos que su familia vive fuera mientras él está en la cárcel y poco más. Las escenas se repiten con un montaje acelerado y todo ello da una sensación de evanescencia, tanto del tiempo que pasa, como de los mismos actos de que componemos nuestras vidas. Además, sirve como reflejo de como vive el preso su condena, su tiempo sin libertad, ya que sus momentos felices son solo esas repeticiones de sus hijos visitándole, mientas asiste impotente a su crecimiento (la película ha sido rodada en cuatro años para ver el cambio de los chicos). Por supuesto, además, esa repetición monótona puede extraerse como un síntoma de las vidas de una sociedad actual encerrada en sus propias rutinas que de alguna manera actúan como nuestra cárcel.
A todo este fascinante estudio del tiempo repetitivo, evanescente y monónotono que nos ha tocado vivir, a todo el estudio de sensaciones con el tiempo de un hombre que carece de libertad, cabe sumar a los aciertos del film, la historia que nos cuenta. La historia de la familia y sus sentimientos entre ellos, sus ilusiones, sus frustraciones, sus miedos. La película se sirve de uno de los guiones más sutiles que yo haya visto en tiempo para explicarnos los sentimientos básicos de todos ellos. No hace falta sensacionalismos afectivos para lograr efectismos maniqueos. Un gesto, una mirada, una actitud, una ubicación en el plano sirve de sobras a Winterbottom y a su espléndida guionista para explicarnos la rabia, el desamor, el miedo, el perdón, la vulnerabilidad, las ilusiones rotas, la esperanza.
Nada se cierra, nada se termina con la película excepto la pena del protagonista. Todo fluye, como en la vida. Todo seguirá su curso y solo se nos han dado las pistas para interpretar, para suponer el futuro. Porque la cinta es un trozo de vida. Y ello pretende.
La fotografía es hermosa cuando debe serlo, el montaje trasmite esa locura del estrés y la superposición de actos de los tiempos que vivimos. La velocidad con que el tiempo se nos escapa. La música de Nyman se hace algo repetitiva y aunque probablemente era la intención termina por cansar demasiado.
La película resulta hermosa, sutil, tierna, dura, pero en el fondo triste y de alguna manera devastadora. No juzga, expone. No manipula para entristecer al público, confía en él. Su mejor baza será para algunos su peor consecuencia. No entrarán en ese juego de miradas, sutilezas, gestos, evanescencias, verdades. La cinta se arriesga a ello.
Yo, que siempre odio la manipulación del cine tan usada hoy en día, veo Everyday como una pieza magistral, cargada de luz y dolor, de sueños, que como todos, terminarán por romperse. Mientras tanto sus protagonistas vivirán. Y a ratos serán felices.
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Like someone in love, es la última y la más accesible película de la filmografía del prestigioso cineasta iraní Abbas Kiarostami, que se ha dado el capricho de irla a rodar a Tokio con reparto totalmente japonés. Podriamos decir que Kiarostami, pese a ese cambio geográfico, no está demasiado lejos de esas historia pequeñas y aparentemente sencillas en que él solo muestra una trama que luego el espectador debe amplíar intelectualmente extrapolando varios sentidos, significados y conclusiones que el cineasta nos insta a buscar en sus historias.
En este caso la historia gira en torno a un anciano intelectual que a partir de su relación puntual con una joven prostituta, permite la entrada de la pasión y el desorden en su vida y sus hábitos, hasta entonces, totalmente controlados. La película no puede verse sin tener en cuenta que el cineasta iraní, usa un fino sentido del humor, sobre todo vista su conclusión. Si el anciano se cree tener la situación controlada y se permite dar consejos creyéndose la voz de la experiencia, el giro final lo situará en el ojo del huracán, vulnerable, ajeno a su mundo y a quien sabe lo que vendrá.
Si en algunas de sus películas anteriores Kiarostami parece jugar con la naturaleza a su antojo (recordad el primer fragmento de Five, una secuencia especialmente de El viento nos llevará o la brutal escena del fruto cayendo al río en una de las Correspondencias con Erice), aquí juega con sus personajes entregados a un destino irremediable, que se mueve a su propio antojo y los involucra, pese a que en una gran urbe como Tokio, el destino parece una pequeña probabilidad de según que encuentros, en algunos casos.
La cinta, con una estética muy embellecida para lo que es el cine de Kiarostami (los neones de Japón ayudan, así como la belleza de la joven Rin Takanashi) logra además una actuación espléndida de sus actores, cargada de naturalidad. Hasta el tramo final, la dirección de Kiarostami es suave, sencilla, flotante.
Me encanta especialmente algún contraluz en los viajes en coche o la cara de la actriz, que se vislumbra en el taxi, con toda la historia de su abuela en su conciencia.
Like someone in love no llega a los niveles de obras maestras como El sabor de las cerezas, ni probablemente lo pretende, pero es una película sin duda notable.
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La cinta, bellamente fotografiada, con unos encuadres, una composición y unos paisajes extraordinarios, con una música excelente, nos narra la extraña descomposición apocalíptica de un pueblo aislado. A partir de una anécdota extraña, parece que la naturaleza decide aliarse contra los habitantes del pueblo y les niega sus principios básicos. La creciente locura, la desesperación, los comportamientos extraños y la búsqueda de un culpable para al menos, desfogarse, cargará la cinta en algunos momentos de un ambiente malsano e inquietante.
Mi problema es que pese a esos aciertos técnicos y un tramo inicial muy potente y otro final que recupera esa sensación malsana, la cinta, en todo su tramo central, me provoca mucha indiferencia e incluso cierto aburrimiento. Todo queda demasiado suspendido, la trama no avanza, la extrañeza se vuelve caprichosa, la cinta juega con el espectador, con su paciencia, con sus percepciones, incluye escenas que denotan rarezas como se le antoja, sin más sentido del ritmo y de la narración que acumular y, en mi caso, me desconecta de aquel inicio mucho más concreto, que sí parecía explicarme algo.
Dicho ésto, sin duda la película es diferente, arriesga y merece la pena verse y que cada uno juzgue. Y logra mantener ciertas sensaciones, ciertas inquietudes, horas después de visionado. Este aspecto juega sin duda, en definitiva, muy a su favor.
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Muy potente La 5eme Saison. Apocalipsis deshumanizado q evoca a Bela Tarr y Wicker Man. La fotografía es tan desoladora como bella #DA2013
Et dec una nit de divendres es una tv-movie para TV3, ópera prima del joven director Dimas Rodríguez. Es una cinta que no debemos juzgar, dadas sus pretensiones y su destino final, con la misma rigurosidad que juzgamos alguno de los otros títulos del fesival. Al final los productos que van destinados a la televisión, casi siempre se mueven por otros parámetros, otros presupuestos y otras intenciones más populares. Siendo así, la cinta catalana es muy divertida, desprejuiciada y por ello, en su riesgo constante, tiene algunas escenas que no me gustan nada e incluso me resultan algo patéticas (lo siento, pero no puedo con el personaje de Pepito, yo lo hubiese directamente eliminado el film), otras en que se logra extraer cierta verdad generacional o de caracteres de sus jóvenes (pero ya no tanto) protagonista y otras, en que de repente las ocurrencias secundarias, en forma de relatos anexos, brillan por su originalidad y su inventiva. Con un sentido del humor a veces tontaina y a veces muy fresco, la historia se nutre de la excelente música de muchos de los valores del pop/rock catalán, como Manel, Antonia Font o Love of lesbian, por citar tres y se narra dentro del marco del PopArb, un festival de música veraniego en medio del bosque en la población de Arbúcies, que le da un toque original y único. Lo que allí se sucede son fragmentos musicales en el marco del festival mezclados con diálogos de los distintos protagonistas que allí se reunen para el disfrute del mismo. Por encima de todo,el buen rollo de la propuesta está garantizado y uno llega a casa y mira la página del PopArb, para visitar sí o sí la siguiente edición. Los varios personajes del film, en su mayor parte con un punto friki, casi siempre han sufrido rupturas amorosas o padecen crisis existenciales y en el fondo, lo que buscan, es volver a ser amados, o quizás serlo por primera vez. La comedia romántica algo inusual está servida. El reparto es irregular, pero casi siempre cumple y en algún caso está realmente bien, aunque Aina Clotet brilla con luz propia, sus grandes y profundos ojos mediante y le da a la película una dimensión mucho más grande a nivel interpretativo con su presencia. En definitiva una película ligera, irregular, pero con golpes obvios de ingenio, que seguro triunfará en su pase por televisión y en los premios especializados en este medio del año.
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Kauwboy es una pequeña cinta holandesa, a la que el boca/oreja había dado cierta expectativa. Nos encontramos ante una apreciable historia de infancia difícil, con niño al que le falta la madre y cuyo padre no es capaz de darle el afecto necesario. Así que el niño, pone todo su cariño, toda su ternura, en un pájaro que recoge y que cuida con mimo y alimenta. Ciertas escenas con el pájaro son sin duda muy tiernas, pero insuficientes para mantener la trama en algo más interesante que cierta sensación de entrañable. La actitud del padre, dura, se nos antoja algo excesiva, pero nos esforzamos en creerla. Las acciones del niño con sus amigos y la chica tampoco tienen mucho poder argumental. Hay un par de escenas de rabia muy destacables, que dan fuerza dramática al film. Pero ese posible notable que la película podría haber cosechado debido a su inocente propuesta, a su sencillez, a su lado entrañable, se ve mermado por el tramo final, totalmente incoherente a lo explicado hasta entonces, manipulador y muy concesivo con un público que no merecía ser considerado tan débil. En definitiva una cinta apreciable, más teniendo en cuenta que se trata de una ópera prima, en mucha parte de su metraje entrañable, tramposa y muy alejada de la calidad que ese boca/oreja, en muchos casos, se le otorgaba.
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Sin contar la retrospectiva rumana, cuatro películas del festival ya las había visionado en otros festivales. Tres en el Atlántida Film Fest y una, Leones, on-line desde el festival de Venecia. Como les dediqué breves críticas las recupero para la ocasión.
Otel.lo es una película de la ESCAC realizada con un presupuesto mínimo y que merece destacarse como una de las sorpresas del festival. A partir de una representación de la obra de Shakespeare "Otelo", que debe ser llevada a cabo por unos actores noveles y un director joven y sin escrúpulos, la película logra crear un artificio de ficción en formato documental en que se quiere plasmar los celos que viven los actores a partir de la representación de una obra en que la principal temática son los celos. Así pues, la película es una especie de mockumentary tan adictivo y fresco como de alguna manera inocente, ya que la trama principal de los celos de los actores es algo infantil. Sin embargo, el buen hacer de todo su reparto, del que sin duda tendremos noticias y el ritmo tan entretenido, así como el interesante artificio metalingüístico hacen del film una obra pequeña bien tratada, bien llevada, original y que demuestra una vez más que la imaginación y el descaro pueden ser mucho más efectivos que el dinero.
Leones es un pedante ejercico de estilo, muy contemplativo y minimalista que seguro indignará a muchos y aburrirá a otros. Yo lo encontré de lo más estimulante. Pero reconozco que a mí me pueden las películas de gente deambulando. Cinco jóvenes hacen éso, deambulan por el bosque en busca de una cabaña mientras se entretienen con juegos absurdos y recitan poemas. No se sabe muy bien lo que buscan pero poco a poco se empieza a sentir un ambiente enrarecido. Algo está pasando. Cargada de simbolismos tan interesantes como en algunos casos obvios, con una espléndida cámara flotante que sigue a los protagonistas y que dota a la narración de una espiritualidad y de una inconcreción muy adecuada para lo que se nos cuenta, sin duda Leoneses para un público minoritario abierto a experimentos y que en éste caso, por el motivo que sea, le seduzca más que le aburra.
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Boy eating the bird's food es la nueva provocación que nos llega desde Grecia...o así nos la venden, ya que de provocación, al fin y al cabo, una escena algo forzada con el fin de lograr ese calificativo que tan bien le va al film. El resto un nihilista salto al vacío en que la cámara sigue a su protagonista, un hombre que malvive debido a sus brutales problemas económicos y que no solo se dedica a deambular, que no me parecería mal, sino que además hace actos sin ningún sentido como seguir repetidamente a una chica de forma algo ridícula, por ejemplo. La película, con una idea muy interesante y alguna gran escena (no puedo olvidarme de ese grito) peca de autocomplaciente en su propio rupturismo ególatra y confuso que en mi caso hace que la historia me vaya dejando de interesar durante su metraje y en muchos momentos, me aburra. Y de verdad que es una lástima porque podría haber dado mucho más de sí.
The we and I, del cada vez menos interesante Michael Gondry, es un artificio de documental, o lo que es lo mismo, una ficción muy guionizada con actores no profesionales que se presenta con cierto formato de cinema verité algo arty, en que se sigue el trayecto de autobús de unos jóvenes problemáticos del Bronx desde que salen de la escuela hasta que llegan a sus casas y en el que se pretende de alguna manera analizar los problemas y las estupideces de la adolescencia de unos chicos sin demasiado futuro. Pero a los pocos minutos de iniciarse el film y pese algún que otro detalle artístico en la dirección del Gondry más videoclipero, los diálogos estúpidos y las gamberradas desagradables de sus protagonistas terminan por agotar a un espectador que se siente tan ajeno a todo lo que ve y que tiene ganas, como la mayoría de desafortunados pasajeros que se cruzan en su camino, de bajarse del autobús y olvidarse del grupo de niñatos. Pero en la segunda mitad de metraje la película intenta mutar y cargarse de cierta profundidad. No siempre lo consigue ya que algunos cambios en las actitudes de algunos de los jóvenes se ve demasiado forzado y resulta inverosímil, pero sí que de repente, algún diálogo, alguna secuencia, emerge y carga de cierta filosofía nihilista la película, de cierta ternura algunos personajes que se nos antojan más infelices de lo que hasta entonces habíamos presupuesto. Insisto, solo a veces emerge. El resto provoca cierta indiferencia.
No os perdáis estos últimos dos días del festival. Queda mucho interesante por ver. Ahora más que nunca, lamento este recorte de días en esta edición. Lo estamos disfrutando mucho.
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